SALVADOR DALI

Salvador Dalí (1904-1989), pintor y escultor español, uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista en su país.

Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método 'paranoico-crítico', inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, poseen un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) y La última cena (1955, National Gallery, Washington).

Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como Un perro andaluz (1929) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.

 

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso.

 En este trabajo están 5 obras de Dalí donde se basa en las inclusiones, y tiene referente a Les Caprices de Goya, utiliza mucho los colores frios como el negro y blanco y además incluye tonos vivos como el rojo, amarillo y rosa, para llamar justamente la atención, hace una alusión y una referencia a la divina comedia.

“CINCO Y SEIS POR LO MENOS”

Nombre Original: “Y aun no serán” (Goya)

En esta obra Dali introduce perspectiva, con figuras alargadas y huesudas de colores fríos, y para llamar la atención de los observadores uso el amarillo y naranja como colores cálidos.

En la cual Dalí, conocido por su trayectoria artística vanguardista y transgresora se hunde en las raíces profundas de la tradición occidental y española al interpretar, desde el surrealismo, la serie de grabados de Goya.

Se dice q esta obra tiene Tienen un significado psicológico, que pone de manifiesto el resentimiento y mediocridad del artista ante la superioridad de artistas de su época.

“y TAMBIEN SU PADRE"

Nombre original: ‘’Dios la perdone yera su madre’’

Su estilo pictórico es académico: Los objetos están representados con exactitud y detallismo, pero sus dimensiones no suelen ser reales y están deformados. Aunque tiene obras de un gran realismo figurativo

En esta obra todo es  base de colores fríos, con la técnica de la calcografía.

Una vez mas usa la ironía, surrealismo, ilusión y sueño.

"Corpus Hypercubus"

Un hipercubo es un objeto de 4 dimensiones, inimaginable salvo para los matemáticos. Sin embargo su "desarrollo" tridimensional puede verse en este cuadro, formado por ocho cubos unidos por las caras. Como "doblar" este objeto en 4 dimensiones para que se unan entre sí todas las caras es otro cantar. En el suelo embaldosado vemos su proyección en forma de cruz latina, como una ilustración del paso a dos dimensiones.

la cruz del sacrificio está formada por ocho cubos en disposición tridimensional donde la figura de Cristo presenta la cabeza en escorzo, lo que impide la visión del rostro, mientras el cuerpo, sin apoyar en ningún momento en la cruz, permanece ingrávido en el espacio. 

Se trata de un espléndido ejercicio de perspectiva según los exactos procedimientos descritos por Filipo Brunelleschi, Lucca Paccioli, Piero della Francesca, Paolo Ucello o Andra del Castagno. La cruz deja de ser un abominable instrumento de tortura y se convierte en una expresión geométrica de tipo filosófico, de una gran profundidad de simbolismo y trascendencia.

“PRINCIPIO DE LA INCERTIDUMBRE DE HEISERBERG “

Nombre Original: “Todos caerán”

un dibujo exquisito, la técnica pictorica impresionante, perfecta
mucho uso de volumenes a traves de la luz y la profundidad dada por el uso de colores azules en el fondo

esta pintura se  caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso como es el azul y el amarillo. Y el resto de la obra contiene colores muy palidos.

El contexto de la obra trata de los crímenes de la gente alta, ironiza a la gente rica que van a caer, es mas le sobreironiza la obra de Goya y le da otro contexto, poniendo mas imágenes y poniendo mas color brillante.

Es una composición cuadrada y rectangular. Incluye color brillante amarillo para los espectros y azul para los trajes y mantas.

Juega con luces tenebristas, de fuertes claroscuros, para enfatizar la voluminosidad de los objetos y figuras.Da importancia a las sombras proyectadas, también.

“LIMA DE LOS DIENTES”

Nombre Original: “Se repulen”

Una vez más, Dalí usa elementos surrealistas, hace inclusiones a las obras de Goya y la plasma con mas color y fuerza, solo se destacan los colores brillantes que es el azul y  amarillo.

Acentúa la forma irreal y surrealista

Utiliza la perspectiva tradicional (utiliza perspectiva atmosférica y geométrica en la mayoría de sus cuadros, también las transparencias para representar dos imágenes en un una a través de su método crítico-paranoico), pero el espacio parece extraño, ya que remite a un paisaje imaginado, o fantástico.

 
      En estas 5 obras Dali hace alusión y referencia a la Divina Comedia y proyecta gran profundidad a sus obras.

      Usa la técnica de la calcografia que es hecha en cobre
      Predominan los colores frios- obscuros y en una minoría el azul y el amarillo, la técnica del uso de los colores es la de agua.

CHARLES BAUDELAIRE LAS FLORES DEL MAL

CHARLES BAUDELAIRE :

(París, 1821 - 1867) Poeta francés. Huérfano de padre desde 1827, inició sus estudios en Lyon en 1832 y los prosiguió en París, de 1836 a 1839. Su padre adoptivo, el comandante Aupick, descontento con la vida liberal y a menudo libertina que llevaba el joven Baudelaire, lo envió en un largo viaje a las Antillas entre 1841 y 1842 (según algunas fuentes, podría haber llegado también a la India). De regreso en Francia, se instaló de nuevo en la capital y volvió a sus antiguas costumbres desordenadas.

Empezó a frecuentar los círculos literarios y artísticos y escandalizó a todo París con sus relaciones con Jeanne Duval, la hermosa mulata que le inspiraría algunas de sus más brillantes y controvertidas poesías. Destacó pronto como crítico de arte: el Salón de 1845, su primera obra, llamó ya la atención de sus contemporáneos, mientras que su nuevo Salón, publicado un año después, llevó a la fama a Delacroix (pintor, entonces, todavía muy discutido) e impuso la concepción moderna de la estética de Baudelaire. Buena muestra de su trabajo como crítico son susCuriosidades estéticas, recopilación póstuma de sus apreciaciones acerca de los salones, al igual que El arte romántico (1868), obra que reunió todos sus trabajos de crítica literaria.

Fue además pionero en el campo de la crítica musical, donde destaca sobre todo la opinión favorable que le mereció la obra de Wagner, que consideraba como la síntesis de un arte nuevo. En literatura, los autores Hoffmann y Edgar Allan Poe, del que realizó numerosas traducciones (todavía las únicas existentes en francés), alcanzaban, también según Baudelaire, esta síntesis vanguardista; la misma que persiguió él mismo en La Fanfarlo (1847), su única novela, y en sus distintos esbozos de obras teatrales.

Comprometido por su participación en la revolución de 1848, la publicación de Las flores del mal, en 1857, acabó de desatar la violenta polémica que se creó en torno a su persona. Los poemas (las flores) fueron considerados «ofensas a la moral pública y las buenas costumbres» y su autor fue procesado. Sin embargo, ni la orden de suprimir seis de los poemas del volumen ni la multa de trescientos francos que le fue impuesta impidieron la reedición de la obra en 1861. En esta nueva versión aparecieron, además, unos treinta y cinco textos inéditos

El mismo año de la publicación de Las flores del mal, e insistiendo en la misma materia, emprendió la creación de los Pequeños poemas en prosa, editados en versión íntegra en 1869 (en 1864, Le Figaro había publicado algunos textos bajo el título de El esplín de París). En esta época también vieron la luz losParaísos artificiales (1858-1860), en los cuales se percibe una notable influencia de De Quincey; el estudio Richard Wagner et Tannhäuser à Paris, aparecido en la Revue européenne en 1861; y El pintor de la vida moderna, un artículo sobre Constantin Guys publicado por Le Figaro en 1863.

Pronunció una serie de conferencias en Bélgica (1864), adonde viajó con la intención de publicar sus obras completas, aunque el proyecto naufragó muy pronto por falta de editor, lo que lo desanimó sensiblemente en los meses siguientes. La sífilis que padecía le causó un primer conato de parálisis (1865), y los síntomas de afasia y hemiplejía, que arrastraría hasta su muerte, aparecieron con violencia en marzo de 1866, cuando sufrió un ataque en la iglesia de Saint Loup de Namur.

Trasladado urgentemente por su madre a una clínica de París, permaneció sin habla pero lúcido hasta su fallecimiento, en agosto del año siguiente. Su epistolario se publicó en 1872, los Journaux intimes(que incluyen Cohetes y Mi corazón al desnudo), en 1909; y la primera edición de sus obras completas, en 1939. Charles Baudelaire es considerado el padre, o, mejor dicho, el gran profeta, de la poesía moderna

ANALISIS GENERAL DE 

                                   “LAS FLORES DEL MAL”

es un poemario de Boudelaire, Se trata de cincuenta y dos poemas inéditos y cuarenta y ocho publicados anteriormente en revistas diversas, se basa en los pecados capitales, se centra en la descripción del mal, en la apología de lo satánico y en el tratamiento del hombre como ser miserable y perverso y poseedor del cuerpo como instrumento para todo tipo de vicios. Es una obra de concepción clásica en su estilo, y oscuramente romántica por su contenido, en la que los poemas se disponen de forma orgánica (aunque esto no es tan evidente en las ediciones realizadas tras la censura y el añadido de nuevos poemas). 


En esta obra  Baudelaire expone la teoría de las correspondencias y, sobre todo, la concepción del poeta moderno como un ser maldito, rechazado por la sociedad burguesa, a cuyos valores se opone. El poeta se entrega al vicio (a la prostitución y la droga), pero sólo consigue el Tedio (spleen, como se decía en la época), al mismo tiempo que anhela la belleza y nuevos espacios Esta obra es la “conciencia del mal”. Nace así el malditismo, la búsqueda de la autodestrucción, la inmolación del artista como víctima.

LAS FLORES DEL MAL, está dividida en 7 partes: Esplín e ideal, Cuadros parisinos, El vino, Flores del mal y Rebelión, con una conclusión final: La Muerte. Un libro completo con principio y fin, a mi parecer  la poesía de  Baudelaire refleja un alma insumisa, contraria a los prejuicios morales y sociales de la época que le tocó vivir. A través de la poesía expresa el hastío ante todo lo que le rodea. Un libro que, valiéndose de referencias basadas en la sensualidad, el romanticismo y el espiritualismo, y una estructura clásica pero, a la vez, audaz e innovadora.

Esta metáfora, bien podría asemejarse al mundo actual, donde se han perdido muchos intereses culturales por predominar el dinero en nuestras vidas. Puede sonar a una ideología marxista, pero es todo lo contrario. El dinero lógicamente es imprescindible en nuestras vidas, pero no por ello debemos dejar de ejercitar nuestra mente. Una cosa no lleva a la otra, y eso lo ha aclarado Baudelaire.

El poeta critica , sino a la sociedad que no sabe separar las cosas, y predomina el dinero por sobre su propio desarrollo personal, por elevar al máximo su intelecto y cultura. Se queja del conformismo y la comodidad y al mismo tiempo por idolatrar a quienes han amasado una gran fortuna, en vez de elogiar a las grandes personalidades que han hecho lo posible por evolucionar el mundo en cuanto a conciencia.

En su pensamiento predomina elevar a su máxima altura las artes.

POEMAS INSPIRADOS EN LAS FLORES DEL MAL (CHARLES BAUDELAIRE)

TU PARTIDA

Las calles van en una sola dirección: hacia el olvido,

Camino sin rumbo de espaldas a tu amor,

Siempre tuviste talento para herirme, siempre

Casi no hablamos, solo nos miramos por un rato,

Yo sabía que era la última vez que tus ojos se clavaban en mi,

"Lo SIENTO"- dijiste, pero no lo lamentabas,

Tu alma quería huir a buscar el hueso enterrado a la vuelta de la esquina.

Sin embargo, pienso que todas las despedidas son así

Silenciosas y quietas

Y mientras más silenciosa tu partida, es más mortal.

Me miraste y te fuiste sin decir nada

Lo que había sido nuestro, supe que murió en ese momento

No hay finales felices en el amor

Y como loba busque un lugar obscuro para lamer mis heridas

Y ahora tu recuerdo se pasea por mi cuarto como un fantasma

Trato de no poner atención, pues esa es la única forma para que partas para siempre.

TU RECUERDO

Tú vos me persigue,  te llevo muy dentro de mí

Me muerdo los labios con todas mis fuerzas para no llamarte o escribirte

Me queman tus besos, tú vos me sigue

Tan solo pensar que puedo volver a besarte las venas me hierven

De rabia y rencor, te niego y te busco ese es mi calvario

Eres la tormenta que azota mis días y noches

Y la calma de mis días de paz

Eres la espina que hiere y duele, y el beso de amor que me mata de alegría.

                                                            AMATE

Cuando se termina una relación se termina

No se porque nos agarra eso de llamar por las madrugadas, dar lastima o pelear

Con ese alguien que tal vez algún día dijo amarnos, mientras compartía la cama con alguien más

Lloramos, zapateamos, berrinchamos

Mientras seguro compartía la cama con alguien más
y que sus labios no eran solo mios...

Comparamos estúpidamente, sabiendo muy bien que cada quien es diferente

Y esa costumbre estúpida del yo, es decir

Estoy feliz con ella, pero no quiero que tu seas feliz con alguien mas

No vives, ni dejas vivir

O vives de mi, como un parasito

Por favor, no estaría mal que te dieras cuenta

Que nadie es de nadie....

Son los tiempos compartidos los que podemos llamar nuestros

pero No podemos andar por el mundo revolviendo pechos de ‘X’

Las relaciones son dar y recibir amor

No dar problemas y recibir relajos

Amate….

por: KATHERINE CHALA

CULTURA MEGALITICA

La cultura megalítica permaneció durante milenios en toda Europa. Se desconoce su origen, pero se extendió desde Escandinavia hasta el Mediterráneo.
Cultura Megalítica: Propia del periodo Neolítico (6000 al 2000 a.c.), comienzan los primeros asentamientos permanentes que desarrollan la agricultura y la ganadería, lo que modifico su forma de vida pasando a ser mas sedentaria y con ello también evoluciono la religión, basada fundamentalmente en los astros y el ciclo solar, los nuevos templos se levantaron a lo grande y surgieron los dólmenes, como enterramiento, también los túmulos o dólmenes cubiertos de tierra, así como los alineamientos con los menhires, y los cromlench que son los círculos de menhires.

Data aproximadamente del año 2000 a.C, con lo que podemos deducir que no es una arquitectura muy avanzada.

El material principal es la piedra, o mejor dicho, grandes piedras. Estas piedras eran alineadas de formas preestablecida, para cumplir una función, generalmente, de culto a dioses o muertos.

El elemento más básico es el Menhir, que no es otra cosa que una de estas inmensas piedras colocada verticalmente. Se cree que era utilizado para señalar puntos concretos.

Menhir, Dólmen,Alineamiento de Carnac,Cromlech de Stonehenge, taula.

Menhires Nos encontramos ante una construcción prehistórica consistente en una piedra alargada colocada verticalmente; su principal función era rendir culto al sol. Fue una de las primeras construcciones de la humanidad así, cuando hablamos de esta arquitectura, nos situamos en el periodo prehistórico y hablamos de arquitectura megalítica.El término megalitismo procede de las palabras griegas mega (μεγας), grande y lithos (λιθος), piedra, es el fenómeno cultural localizado en el Mediterráneo occidental y la Europa atlántica, que se produce desde finales del Neolítico hasta la Edad del Bronce, caracterizado por la realización de construcciones arquitectónicas con grandes bloques de piedra escasamente desbastados llamados megalitos. Este fenómeno se caracteriza esencialmente por la construcción de tumbas del tipo "dolmen", en cuyo interior se entierra sucesivamente a los fallecidos del grupo, apartándose cuidadosamente los huesos de los anteriores difuntos (enterramientos colectivos).

Un dolmen, que en bretón quiere decir mesa grande de piedra, es una construcción megalítica consistente por lo general en varias losas (ortostatos) hincadas en la tierra en posición vertical y una losa de cubierta apoyada sobre ellas en posición horizontal. El conjunto conforma una cámara y está rodeado en muchos casos por un montón de tierra de sujeción o piedras que cubren en parte las losas verticales, formando una colina artificial túmulo, distinguible como marca funeraria.

Estas estructuras se dan en Europa Occidental, sobre todo en la franja atlántica, y fueron construidas durante el Neolítico final y elCalcolítico. Su función atribuida suele ser la de sepulcro colectivo, pero también se cree que puede ser una forma de reclamar un territorio y reforzar la identidad grupal, dada la poca id entidad de los poblados neolíticos en tránsito a los calcoliticos y que prepara las ciudades de época del bronce.

Los modelos sencillos de dólmenes consisten en dos o más piedras verticales y encima una horizontal, ejercicio de destreza constructiva monumental sin par. Generalmente se acompaña de otras piedras en los alrededores de grandes dimensiones.

Cuando al dolmen se le añade un pasillo que lo conecta con el exterior se le llama tumba de corredor a la manera de avenida para desfilar el cortejo funerario, cuya cámara puede estar construida con ortostatos (grandes losas) mediante una falsa cúpula hecha conlajas de piedra o haber sido excavada en la roca. Es el primer ejemplo de habilidad constructiva al mover enormes bloques con el reto de mantener alzada la estructura.

Un tercer tipo de tumba megalítica es la de galería, más tardía, en la que el corredor no se diferencia de la cámara, y que a veces cuenta con pilares, prototipo posterior de las columnas en los templos, con el fin de sostener las pesadas cubiertas.

Alineamiento de Carnac

Los alineamientos y los cromlech, eran figuras más "complejas". Eran utilizados al igual que los dólmen como "santuarios", que utilizaban para adorar a dioses, o dar culto a los muertos.
Tanto los alineamientos como los cromlech, eran grupos de menhires colocados de una manera determinada. Si están en línea, son denominados alineamientos, mientras que si están en círculo, son denominados cromlech.

Cromlech de Stonehenge

Un crómlech o crónlech es un monumento megalítico formado por piedras o menhires clavados en el suelo y que adoptan una forma circular o elíptica, cercando un terreno. Está difundido por Gran Bretaña y por la Bretaña francesa, así como en laPenínsula Ibérica, Dinamarca y Suecia.

En castellano también reciben los nombres compuestos de círculo de piedras, anillos de piedras o círculo megalítico.

La palabra cromlech en inglés es usada para los dolmenes y no para los círculos de piedra. En francés se le da el mismo uso que en español

Stornaiolo Pimentel (Luigi)

Pintor ecuatoriano, nacido en Quito el 9 de junio de 1956, hijo de padre napolitano y madre quiteña. Realizó sus primeros estudios en el colegio cardenal Spellman de su ciudad natal. Tras graduarse en Bachillerato, cursó tres años en la facultad de Arquitectura, pero en 1977 abandonó los estudios y viajó a Italia. Allí visitó museos y se empapó del arte de los grandes maestros, formándose ya una idea de lo que realmente sería en su vida. A su regreso montó con algunos amigos una fábrica artesanal de juguetes de corcho, que pronto fracasó por falta de experiencia comercial.

Dotado de extraordinarias dotes para el dibujo, vivió por aquellos años de la venta de retratos al carboncillo. Su primera exposición la hizo en la Galería Club del Arte, donde mostró sus "dibujos irónicos, dentro de un realismo lúcido y casi fotográfico en sus detalles". En 1980 contrajo matrimonio con Nelly Witt Vorbeck, a quien conoció en 1978, y que ha sido desde entonces motivo de inspiración en más de cuarenta óleos que conserva en su domicilio.

Ha realizado más de una decena de exposiciones individuales en Ecuador, y ha participado en exposiciones colectivas nacionales y extranjeras (Perú, Brasil, Canadá, Australia, México, Bélgica, Puerto Rico, Miami, Nueva York, Venezuela). 

Ha ganado varios premios: el de Caricatura en el Salón Municipal de Quito (1986), y el Mariano Aguilera de la misma ciudad en 1989 por su obra Gavillas advenedizas haciendo tabla rasa II. También ha participado en las Bienales Internacionales de Cuenca (Ecuador), Sao Paulo (1987, 1994), Trujillo (Perú, 1988), Venecia (Italia, 1995). Stornaiolo podría ser catalogado dentro del realismo caricaturesco, pero se distingue de todos los que han entrado en esa modalidad porque ha sabido superar el dominio técnico y la realidad cotidiana, para dar a sus cuadros una inusual intensidad emocional. Toda su obra es la conjunción de un mundo en tensión en donde conviven la realidad y la fantasía, la cordura y la locura, para dejar al desnudo todas las aberraciones de nuestra sociedad.

El estilo de Luigi Stornaiolo está marcado por la caricatura y lo dramático. Locaricaturesco está en que los personajes de sus cuadros son antropomorfos, y de uncierto parecido con los fantoches, porque su presencia no se presta a la contemplación:una pintura de Stornaiolo perturba al observador, obligándolo a reaccionar, a sacar suspropias conclusiones. Y lo dramático se encuentra en la expresión trágica de los rostros.

Sus pinturas son punto de partida para la reflexión sobre una amplia gama de temas,por ejemplo, la sexualidad, las relaciones interpersonales, el ser humano como una piezade rompecabezas –más- del mundo, la sociedad como una masa de aparentehomogeneidad. Y es que la fuerza de sus imágenes radica en cómo están conjugados olor y emoción. Esto evidencia el neoexpresionismo, uno de cuyos principios es lasuperioridad del color sobre la forma.

Su obra es catalogada como un neorrealismo social, debido al figurativismo, la cromática y la consistencia material de sus obras.

Algunas de sus obras:

El ring

Esta pintura está compuesta por una escena de pelea que sucede en un ring,el punto de vista del observador está colocado en la parte superior de la esquina contraria a la que sucede el combate y  Alrededor hay espectadores

Hay tres figuras abstractas principales: la primera, ubicada en la parte inferior central,está formada a partir de las prolongaciones de tres cuerpos, es decir que en ella terminanlas piernas de un sujeto, los brazos de otro, el torso de un tercero, y los pies de un cuartoindividuo. En ella, los colores se mezclan de manera inesperada porque a partir del café,el crema y el anaranjado oscuro, surgen colores como el lila, el amarillo, el rojo, elverde y el celeste.

Baile de amplio como de reconocido prestigio en el medio

En esta pintura En Stornaiolo impresiona el desenfado, la plena libertad expresiva reflejada aún dentro de una evidente y honda angustia existencial. Angustia que implica una crítica, un juicio social no exento de drama.

La técnica, si bien poderosa, encierra un fluir casi melódico y los personajes se retuercen placenteramente, de dolor o de risa, con quejidos y susurros casi audibles.

Pero Stornaiolo acentúa simultáneamente lo lúdico y lo dramático, y nos lleva, quizás sin proponérselo, a ejercitar una sobria meditación sobre lo que va mal en la vida y en el mundo.

Tiene una vista muy inusual en el cuadro, como que está siendo observada  desde la parte superior.

Esta obra representa una fiesta muy común en nuestra sociedad, fiestas en las cuales una persona se deja llevar por el alcohol y después del suceso, se lamenta de las consecuencias.

                                                     

 Esta pintura se caracteriza por su perspectiva, su punto de vista, la composicion de figuras, el dibujo caricaturesco de los personajes, usa colores ocre(sucios).

esta pintura esta realizada en una vista superior .

La plaza fosh

Esta obra se caracteriza por su perceptiva y punto de fuga, ya que aparenta una vista aérea desde la parte exterior de un edificio, la composición de las figuras, el dibujo caricaturesco del artista, los colores ocres.

En este cuadro se muestra una reunión social en a la derecha, en la parte inferior  una pareja, en la izquierda una pareja teniendo sexo mientras que encima de ellos se encuentran personas aparentemente bailando, se observa a una mujer de blanco y verde con actitud de espera mientras que un grupo de hombres se acerca a ella, en las calles el artista plasma la congestión vehicular y peatonal mientras que un propio de este ambiente

La vida nocturna en Quito

Una pintura con colores cálidos,  aqui el artista intenta representar la vida nocturna que se vivia en la ciudad de Quito, la diversion nocturna, las prostitutas, las calles.

reflejar el lado más obscuro de los seres de la noche quiteña que construyen esa bohemia infinita en la que viven ángeles y hombres-bestias que bailan y gozan en bares de la ciudad.

Comentario personal:
 

A mi parecer Stornaiolo es un pintor que destaca por la manera en que expresa sus tribulaciones:pinceladas fuertes y combinaciones de colores, en desarmonía con los demás colores,pero equilibradas en cuanto a sentimiento y forma se refiere.

 para mi a veces es difícil mirarlas, no por su crudeza si no por esa forma agresiva y directa que tienen para mostrarse y cuando hay movimiento los personajes  se dejan llevar por alguna pasión y se tornan en exhibicionistas.

Cada obra es tan desigual y tan diferente a la otra, Stornaiolo ha sido catalogada como un neorrealismo social, en si está el arte en los 90 del Ecuador.